Discos que formaram meu caráter (Parte 19) – Closer – Joy Division (1980)

 

 
Muito bem, estamos aqui de novo, com aquela conversa deveras agradável, com um papo empolgante sobre som, disco e afins. Muitos podem achar estranho, mas acredito fielmente que a música sempre esta relacionada com algo importante em sua vida.
 
Hoje eu tenho a honra de apresentar a vocês, um dos maiores discos de todos os tempos, algo realmente marcante para muitos, o começo do que ficou conhecido como “pós Punk”, o inicio que acabou sendo o final de uma das maiores bandas de todos os tempos, senhoras e senhores sem mais delongas eu lhes apresento: “Closer”.
 
Gravado em 1979, mas por problemas de tiragem, foi lançado apenas em 1980. O vinil mostra uma singularidade marcante da banda, que já tinha sido apresenta com louvores em seu “debú” com o excelente “Unknown Pleasures” de 1979 (Falaremos em breve deste). A diferença é que agora os caras de Manchester (NG) estavam a fim de conquistar o mundo e “Closer” foi preparado para isso. A melancolia chuvosa da terra da rainha estava preste ser colocada a prova no mercado internacional. Sim eles estavam indo para a América.
 
Falando de uma maneira compreensiva sobre temas que vão do dia marcante, cotidiano inflexível, depressão e tristeza, aliados a forma magistral que seu vocalista, Ian Curtis, conseguia transmitir toda sua melancolia em versos para os ouvintes, sem contar a competência da trupe que o acompanhava Bernard Summer, Peter Hook, Stephen Morris (se você, caro leitor, não souber quem são essas pessoas pegue sua patente de “FODA” e jogue no lixo), sem contar em um certo “pioneirismo” nas batidas eletrônicas, coisa que poucos estavam se aventurando em fazer na época.
 
O disco foi gravado sob uma abóboda de estuque, que foi especialmente construída para a captação da ressonância de uma capela. Que deixa o disco ainda mais sombrio, e sério.Com todo respeito vamos às faixas:
 
O disco começa com a sombria “Atrocity Exhibition”, com guitarras estranhas, cheias de efeitos nos levam uma atmosfera inquietante, versos como “o silencio com as portas escancaradas, onde as pessoas podem pagar para ver por dentro…” é um convite. Vamos para “Isolation” (uma de minhas preferidas), um retrato conturbador da personalidade de Ian. Chegamos em “Passover” uma bela canção, que fala de crises, equilíbrio pessoal, sobre o quanto somos seguros na infância. Vai para “A Means To An End”, fala de uma amizade. 
 
Chega em “Heart And Soul” coragem para superar os desafios que estão por vir, sua coragem nunca deve acabar “…Coração e alma um irá queimar”. Agora “Twenty Four Hours” magnificamente agitada, mas que não perde a influencia “dark” das outras canções. Indo para “The Eternal”, posso classifica-la como “perigosamente depressiva”. Encerando tudo com a belíssima “Decades” a perfeição maior com teclados, contrastando  com o voz de Ian. 
 
É realmente um disco pesadíssimo, que transpira emoções fortes, mas que com certeza afligem muitos ou já afligiram. A edição nacional desde álbum, o qual me orgulho de ter em Lp (presente de meu velho pai) trás ainda “Love Will Tear Us Apart”, uma das mais belas canções de todos os tempos.
 
Podemos prestar atenção, que não existia mais diferença entre a personalidade conturbada de Ian Curti e sua poesia, não tinha mais como separar seus problemas do que ele escrevia. 
 
Sem duvidas, a semente foi jogada. Batidas eletrônicas e guitarras dissonantes, que influenciaram varias bandas depois como The Cure, Bauhaus, Sister of Mercy, New Order para ficar só no algumas. Não tem como não merecer a patente maior de clássico.
 
Como disse no começo do texto, poderia ser o começo da “Maior banda do mundo”, mas foi fim precoce. O disco foi lançado logo após o suicido de Ian. Que nos privou de seu talento agonizante em 19 de maio de 1980.
 
Perfeito para se ouvir em uma tarde chuvosa, com vinho barato (ixi, muitas vezes), melancólico sem dúvidas, mas com extrema beleza que só as mais sinceras cartas de adeus possuem. Por hoje é só.
 
Marcelo Guido é Punk, pai da Lanna e Banto, marido da Bia, jornalista,  professor e servidor público “…o amor pode sim, nos separar rasgando”  

Há dois anos, morreu Chris Cornell, vocalista das bandas Soundgarden, Temple of the Dog e do Audioslave

Há exatamente dois anos, morreu Chris Cornell, vocalista do Soundgarden, Temple of the Dog e do Audioslave. Seu corpo foi encontrado no banheiro de seu quarto em um hotel de Detroit (EUA). O astro do Rock tinha 52 anos. A família pediu privacidade para trabalhar com os profissionais médicos na determinação da causa do óbito.

Nascido em Seattle (EUA), Chris Cornell foi um dos grandes nomes do movimento grunge no final dos anos 1980 e nos anos 1990. Em 1984, ele formou o Soundgarden ao lado do guitarrista Kim Thyail e do baixista Hiro Yamamoto.

O Soundgarden foi a precursora das bandas do grunge. Eles abriram o caminho para Nirvana, Pearl Jam e Alice in Chains – ao ser a primeira do gênero a assinar com uma grande gravadora, selando contrato com a A&M em 1988. Em seis álbuns, mais notavelmente Badmotorfinger, de 1991, e Superunknown, de 1994, o Soundgarden foi uma das bandas de rock mais influentes dos últimos 25 anos, com “Spoonman,” “Outshined,” “Rusty Cage” e “Black Hole Sun” como hits cravados na história do gênero.

Em 1990, Cornell iniciou o projeto Temple of the Dog, um supergrupo formado por ele, Stone Gossard e Jeff Ament, ambos ex-integrantes do Mother Love Bone, Mike McCready, Matt Cameron e Eddie Vedder. O propósito da iniciativa era fazer um tributo a Andrew Wood, que era amigo de Cornell e vocalista do Malfunkshun e do Mother Love Bone. A banda lançou um único disco, autointitulado, em 1991 pela A&M.

Após término do Soundgarden, Cornell se juntou aos integrantes do Rage Against the Machine Tom Morello, Tim Commerford e Brad Wilk para formar o Audioslave. Em, 2007 Cornell deixou o supergrupo para se concentrar na carreira solo, antes de reunir o Soundgarden em 2010. Recentemente, ele promoveu reuniões de Audioslave e Temple of the Dog e ainda lançou um disco solo, Higher Truth, em 2015.

Cornell foi um excelente frontman em todas as bandas que participou. Entre outras coisas, ele era conhecido também pela canção “You Know My Name”, a música tema de 007 – Cassino Royale, de 2006.

O músico lidou com vício em drogas e álcool durante muitos anos, chegando a se internar em uma clínica de reabilitação em 2013. Em 2012, ele e a esposa, Vicky, criaram a Chris & Vicky Cornell Foundation para trabalhar com crianças em situações vulneráveis. A ação foi baseada na experiência pessoal dos dois na tenra idade.

Meu comentário: Chris Cornell era um dos meus vocalistas favoritos. Um cara de imenso talento, atormentado pela sua loucura. Alguns de nós não consegue se conter, era o caso do fantástico cantor. Cheio de atitude, ele ajudou a deixar os anos 90 mais felizes para toda uma geração de fãs de Rock.  Valeu, Cris!

*Com informações da revista Rolling Stones

Robert Smith completa 60 anos e 39 de Rock and Roll! – Happy 60th birthday to #RobertSmith of #TheCure.

 

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Hoje é aniversário de Robert James Smith, o popular Robert Smith. Ele é líder, vocalista, guitarrista e compositor da lendária banda inglesa The Cure. Aliás, o único membro da formação original do grupo. O cara é um ícone do Rock e da música alternativa mundial.

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Show do The Cure em São Paulo – Foto: Elton Tavares – Clique e veja a imagem em tamanho original.

Robert nasceu em 21 de abril de 1959, em Blackpool (ING). Portanto, completa 60 anos de vida, sendo que trinta e  nove deles à frente de sua influente banda oitentista, que por muito tempo foi considerada a maior e mais importante no cenário gótico/pós-punk.

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Show do The Cure em São Paulo – Foto: Elton Tavares – Clique e veja a imagem em tamanho original.

O The Cure é uma das bandas que fazem parte da trilha sonora da minha vida. Ao som dos britânicos, fizemos muitas festas, noitadas, reuniões com amigos e tantas outras lembranças legais.

Eu e meu irmão assistimos, em 2013, um show histórico do The Cure, em São Paulo. Se já não bastasse tamanha felicidade, ainda encontrei a banda no Aeroporto de Guarulhos e consegui uma foto com o Rockstar.EueRobert

Vida longa ao talentoso e carismático Robert Smith. Que ele toque, componha e cante por mais 60 anos.

Elton Tavares

O dia que encontrei Lemmy (Essa semana fez 8 anos).

Essa semana, na última segunda-feira (15), completou oito anos que encontrei Ian “Lemmy” Kilmister, cantor inglês fundador, vocalista, baixista e líder da banda inglesa de heavy metal Motörhead (com 40 anos de carreira). O cara, que morreu em 28 de dezembro de 2015 (vítima de câncer) é um ícone do Rock and Roll e uma lenda da música mundial. Ele tinha 70 anos.

Esqueci de publicar ontem, mas por tudo que Lemmy fez e representa, republico hoje o texto do dia que o encontrei.

Eu e Lemmy – São Paulo – 2011 – Foto: Emerson Tavares

O dia que encontrei Lemmy 

Aeroporto de Congonhas (SP), aproximadamente 17h do dia 15 de abril de 2011. Eu, meu irmão Emerson Tavares e minha cunhada Andresa Ferreira tomávamos uns chopps enquanto esperávamos a hora de embarcar de volta ao Norte, eles para Belém (PA) e eu para a minha amada Macapá.

Estávamos perto da entrada do saguão do Terminal, aí entra aquela figura de preto, chapéu de Caubói, bigodão e cara amarrada. Era Lemmy, líder do Motorhead. Não perdemos tempo, pedi para bater uma foto com a lenda do rock, ele me olhou com desdém, mas parou de andar para o click do meu irmão.

Mesmo com a pouca simpatia do astro, fiquei feliz, pois não é todo dia que um jornalista de Macapá encontra um ícone do “roquenrou” mundial. Para quem não saca, aí embaixo tem informações sobre Lemmy, colhidas pelo ex-colaborador deste site, André Mont’alverne. Leiam:

Lemmy era o avô do heavy metal. Lemmy era o padrinho do thrash metal. Lemmy, mesmo britânico, era a síntese do rock’n’roll de Los Angeles. Lemmy foi roadie de Jimi Hendrix e teve um filho com uma groupie que perdeu a virgindade com John Lennon. Lemmy era fã de Beatles, de Little Richards e de Elvis Presley. Lemmy é uma lenda.  Lemmy é Lemmy. É inexplicável.

Bem, pensando com um pouco mais de racionalidade, talvez não seja tão “inexplicável” assim o verdadeiro fascínio que a figura de Ian “Lemmy” Kilmister exerce em qualquer pessoa que ame o rock and roll. E quando escrevo “qualquer pessoa”, não estou sendo bondosamente genérico, mas afirmando categoricamente que não há um ser humano roqueiro sequer que:

a) não tenha o devido respeito e paixão pelo Motörhead; b) que não considere “Lemmy” como uma espécie de divindade. No fundo, é fácil e difícil – e desconcertante – ao mesmo tempo entender porque a figura de Lemmy suscita reverência. Para isto, é preciso deixar de lado os pudores politicamente corretos e encarar a verdade: no fundo, bem lá no fundo, todos nós queremos ser como Lemmy. Buscamos obter o mesmo grau de respeito que a sua figura e suas palavras causam nas pessoas. Buscamos causar a mesma sensação que Lemmy propicia quando entra em qualquer ambiente, que é um silêncio que chega a ser ensurdecedor. Buscamos envelhecer como Lemmy, que foi dono de seu próprio nariz e sem a menor intenção de agradar a quem quer que seja.

Com seu inseparável chapéu preto, roupas de coloração idem e as inacreditáveis botas brancas, Lemmy é uma versão roqueira e real do cowboy sem nome eternizado por Clint Eastwood no cinema. Para os adolescentes, ele é um personagem de histórias em quadrinhos – ou videogame, se preferir – que ganhou vida. E se o Motörhead existiu por 40 anos, é porque Lemmy comandou as coisas da maneira que leva a sua vida: integridade em relação a tudo aquilo em que acredita.

Com certeza, os lobos uivaram para o homem que morreu em 2015, mas a lenda será eterna. O “Ás de Espada” teve uma vida longa, feliz e gloriosa. A ele, minhas homenagens. Valeu, Lemmy!!

Elton Tavares

Há 25 anos, Oasis lançava Supersonic, seu primeiro single

Hoje, 11 de abril, completam exatos 25 anos de lançamento do primeiro single do Oais, banda britânica (que já tinha quatro anos de carreira), denominado “Supersonic”. A faixa de estreia do Oasis apareceu em 31º lugar da Billboard , e foi a 13ª música mais ouvida do grupo.

Foi só o início de uma bela trajetória daquela banda. O Oasis foi formidável, com o vocal insolente de Liam e o talento arrogante de Noel (os irmãos Gallagher),o grupo teve momentos de alto brilho. Eles foram uma das bandas mais bem sucedidas da história, com venda de 90 milhões de discos.

Naquela época, caçávamos sons novos como as bruxas eram perseguidas durante a Inquisição, ou seja, incansavelmente”. As brigas dos dois irmãos Liam Gallagher e Noel Gallagher, a rixa com a banda Blur, as polêmicas, nada ofuscou a qualidade do som do Oasis. Porra, nem sei quantas milhares de vezes escutei “Wonderwall” ou “Don’t Look Back in Anger”, músicas do disco seguinte, o (What’s The Story?) Morning Glory.

O Oasis se separou em 2009, após um período intenso de brigas entre Liam e Noel Gallagher, fundadores da banda. Após agressões físicas e verbais entre os irmãos, Noel saiu da banda. “É com tristeza e grande alívio dizer que deixei o Oasis hoje à noite. As pessoas vão escrever e dizer o que gostam, mas eu simplesmente não poderia continuar trabalhando com Liam por mais um só dia. Desculpe a todas as pessoas que compraram ingressos para os shows [que não farei]”, disse no site oficial.

Tive a sorte de ver um show do Noel em 2017, quando ele abriu para o U2 e uma apresentação do Liam, no Lollapalooza 2018. Eles seguem fodões do Rock and Roll.

Resumo da ópera rock, o Oasis foi sensacional. O resto é história.

Fonte: Rolling Stones e meus 42 anos escutando Rock and Roll.

Elton Tavares

THE CURE – São Paulo (06/042013): minha visão sobre algo realmente histórico (por Marcelo Guido)

 
É realmente impressionante como seguimos nossas vidas dando importância a fatos, histórias, mensagens e como a música esta relacionada a isso. No mundo perfeito, acredito, a vida teria trilha sonora.
Passei por mais um acontecimento marcante em minha trilha imaginaria. O THE CURE, resolveu botar as caras por aqui depois de exatamente 17 anos, um hiato relativamente grande para uma banda desse quilate, os puristas vão dizer que “Ha são uns mercenários”, “estão no limbo (tá a igreja já disse que isso é baboseira), e vem tirar dinheiro dos trouxas”, “tá velho, esquecido e vem fazer bestas felizes”. Foda-se! Para mim, apenas palavras ao vento. 
Beleza, 17 anos é muito tempo, muita onda, muita coisa. Tornei-me pai, me apaixonei varias vezes e casei, ou seja, vivi. Mas curiosamente, o sentimento pela banda não sofreu nenhum abalo.
 
Lembro-me dos saudosos anos 90, não serei falso em dizer que “há gostava desde os anos 80”, não, conheci a banda através de “Staring At The Sea”, aquele mesmo, o popular disco do “velho na capa”. O ano era 1993, e eu, na época, um amante do som pesado, me encantei com toda poesia tortuosa daquela banda do cara que “usava batom e tinha cabelos desgrenhados”. É realmente soava meio estranho alguém como eu escutar aquilo.
Quando soube que os caras viriam por aqui de novo, me lembrei de todo desespero que senti quando não consegui velos no “Hollywood Rock”, naquela época, eu com 16, não tive como ir. Jamais deixaria outra oportunidade passar.
 
Mas vamos lá, o show prometia muito, fãs sedentos querendo ver o que foi realmente marcante para todos (ou a maioria), pais, filhos e encontrei até um avô com netos (se tem algo que junta gerações é o rock). Todos lá querendo ver o senhor Robert Smith com sua trupe, elevar ao máximo suas notas musicais, colocar em dia sua guitarra e como não esperar pela sua peculiar “dancinha”. Eu era um desses caras por lá.
O show começa sempre por cima, “Open”, nessa hora, nem eu acreditei que estava lá, e foi caminhando por uma sequencia incrível de hits “oitentistas” , “noventistas” (atenção Cults de plantão)  pra não deixar nenhum tiozinho (já me incluo nessa categoria) botar defeito.
 
Chorei copiosamente em “Just Like Heaven”,uma das canções  de amor mais perfeitas de todos os tempos, “Pictures  Of You”, passou por lá também, “The Walk” pra lembrar de toda minha caminhada até aquele momento, em “Friday I`m Love”, eu te liguei “pessoa muito especial”, você deveria estar naquele momento comigo, não atendeu (chorei também), “The Love Cats”, “In Between Days”, “Boys Don`t Cry”, “Killing an Arab”, enfim todas passaram por lá e o senhor Smith estava realmente a vontade. Foram quarenta (pode escrever isso aqui?), musicas, três horas de show. Realmente algo épico, histórico, fantástico.
Minhas melhores impressões sobre a banda realmente se multiplicaram, em minha opinião o “melhor show dos caras de todos os tempos”, se me perguntarem o porquê?  Respondo: “Eu estava lá”.
Durante as horas que o concerto se deu, voltei a ter meus 16 anos, e realmente curti muito. E pensei comigo mesmo se passei por tudo que passei pra esses caras tocarem perto do meu aniversário, realmente valeu muito a pena (sei, é idiota mas foi isso que veio na mente).
 
Já posso dizer prestes há completar 33 anos, que eu no dia 06/04/2013 “estava no melhor lugar do mundo”.
 
Senhor “Bob” Smith, não demore muito a aparecer por aqui. E sim, minha vida volta a ter sentido.
 
MARCELO GUIDO.
*Republicado pelos 6 anos desse show.

Há seis anos, o The Cure se apresentou em São Paulo. Foi o melhor show que assisti na vida

 

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Até hoje, não consigo descrever com presteza o que senti na noite de 6 de abril de 2013. Há exatamente seis anos, a banda inglesa The Cure se apresentou na Arena Anhembi, na capital paulista. Foram 3h15 de show. E que show! Com certeza o melhor que vi na vida. Coisa de fã de Rock.

Algumas semanas antes do show, Roberth Smith (“a cara, a voz e a força do The Cure”), cconcedeu uma entrevista ao programa “Fantástico” (vídeo). Ele disse que como não eram mais jovens (ele tinha 53 anos em 2013) não faria vários shows, mas poucos com muita intensidade. O astro prometeu e cumpriu.Algumas semanas antes do show, Roberth Smith (“a cara, a voz e a força do The Cure”) concedeu uma entrevista ao programa “Fantástico” (vídeo). Ele disse que como não eram mais jovens (ele tinha 53 anos em 2013) não fariam vários shows, mas poucos com muita intensidade. O astro prometeu e cumpriu.

Sabe, eu sempre fui fã de Rock And Roll. Já vi muitos shows sensacionais e fui pra muitas festas doideiras, mas naquele dia, ao lado do meu irmão e companheiro de aventuras Emerson Tavares, vivemos o auge dessa vida rocker. O show do The Cure conseguiu superar as apresentações do Radiohead em 2009, U2 em 2011, New Order e Johnny Marr (2014), Interpol, Smashing Pumpkins, Morrissey e Pearl Jam (2015) e Lollapalooza 2017 (Duran Duran, Strokes e Metallica).

O que as 30 mil pessoas que estavam na Arena Anhembi naquela noite viram foi impressionante, fantástico e todos os sinônimos para o show da vida de muitos (como eu e meu irmão). O The Cure emocionou e empolgou. Foram 40 músicas. Todas cantadas pelo público. E eu e Emerson ficamos na Budzone, área vip, ou seja, perto do palco e confortável. Firme demais!

Robert Smith (voz e guitarra), Jason Cooper (bateria), Roger ´O Donnell (teclados), Simon Gallup (baixo) e Reeves Gabrels (guitarra), fizeram um show caralhento, cheio de hits e canções despintadas. Agradeço a Deus todos os dias por ter vivido aquilo.

“Não foi um show… foi uma apoteose! Infinitamente melhor que as duas apresentações que assisti em 1996. Como vinho, cada vez melhores com o tempo” – Disse o amigo Nilson Montoril.

Os amigos que viram o show no Rio de Janeiro, dois dias antes, disseram que o de Sampa foi muito mais paid’égua. Uma das canções clássicas da banda diz que “Garotos não choram”. Naquela noite, era menina e barbado chorando, rindo, dançando, cantando, pulando etc. Bestificados com aquele showzaço do caralho, eu e Emerson choramos. De felicidade e emoção, claro. Inesquecível!

Obs: Se já não bastasse tamanha felicidade, no dia seguinte ao show, encontrei a banda no Aeroporto de Guarulhos (SP). Robert foi muito simpático e ganhei uma foto pra posteridade. Até a próxima, The Cure!

Elton Tavares


Veja as músicas que o The Cure tocou em São Paulo:

“Open”
“High”
“The End of the World”
“Lovesong”
“Push”
“Inbetween Days”
“Just Like Heaven”
“From the Edge of the Deep Green Sea”
“Pictures of You”
“Lullaby”
“Fascination Street”
“Sleep When I’m Dead”
“Play For Today”
“A Forest”
“Bananafishbones”
“Shake Dog Shake”
“Charlotte Sometimes”
“The Walk”
“Mint Car”
“Friday I’m in Love”
“Doing the Unstuck”
“Trust”
“Want”
“The Hungry Ghost”
“Wrong Number”
“One Hundred Years”
“End”

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“The Kiss”
“If Only Tonight We Could Sleep”
“Fight”

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“Dressing Up”
“The Lovecats”
“The Caterpillar”
“Close To Me”
“Hot Hot Hot!!!”
“Let’s Go to Bed”
“Why Can’t I Be You?”
“Boys Don’t Cry”
“10:15 [Saturday Night]”
“Killing An Arab”

25 anos do lançamento do disco Raimundos (1994 foi um grande ano mesmo) – Por Marcelo Guido

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Hoje, 2 de abril, completam exatos 25 anos do lançamento do disco Raimundos (1994). Raimundos foi o disco de estreia do da banda homônima (que fez estrondoso sucesso), lançado em 1994 pelo selo Banguela Records, criado pela banda paulista Titãs em parceria com Carlos Eduardo Miranda.

Apesar do clipe da música “Nega Jurema” ser de produção precária, a pedidos do público, ele participou da escolha da audiência na MTV, para representar o Brasil nos Estados Unidos, que concorreu nada mais, nada menos, com o videoclipe “Territory”, da banda mineira de thrash metal Sepultura (que saiu vencedora).

Para celebrar esse clássico álbum do Rock Nacional, republico o texto do amigo Marcelo Guido.

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Discos que formaram meu caráter (Parte 2) – Raimundos (1994)

Então amiguinhos, estamos aqui de novo para falar de mais uma bela “bolacha”, que com certeza fez muita gente, assim como eu, também botar a cabeça pra balançar, poguear e pirar conforme a música.

O disco em questão trata-se de “Raimundos”, primeiro álbum da banda homônima (qualquer semelhança com Ramones não é mera coincidência) que veio do Distrito Federal dar uma nova cara para o Rock Brazuca, no começo dos já longínquos anos 90.

O momento histórico da música brasileira não era lá aquela maravilha, diga-se de passagem, sertanejo e um tal de “new pagode” tomavam conta de todas as paradas musicais naquela época, realmente era um verdadeiro cenário de terror para os fãs do velho e bom rock and roll.raimundos-1

As bandas nacionais sobreviventes dos anos 80 já se encontravam naquele esquema de “vamos fazer um disco conceitual, e sair em turnê para tocar o que a gente já gravou”, patético. (Menção honrosa para os excelentes “Descobrimento do Brasil de 93 da Legião Urbana e “Titanomaquia” dos Titãs, também do mesmo ano”).

Nesse sombrio cenário vê que aparece do cerrado, quatro moleques que falam palavrão a torto e a direito, trazendo uma energia que faltava para aquele angu enjoativo que se tornou a música brasileira.

imagesProduzido pelo Carlos Miranda e lançado pelo selo “Banguela” dos Titãs, “Raimundos” chegou fácil a 150 mil copias. Além disso, o álbum foi inovador por mostrar para nós o “forrócore”, a mistura do forró tradicional com o hardcore, coisa nunca tentada antes.

Meu primeiro contato com o disco foi através de meu grande amigo, Adriano Bago (que hoje também é um Guarani Kaiowa), que em um esquema “brodagem” me presenteou com uma fita gravada onde se encontrava a balada de duplo sentindo “Selim”.

Quando ouvi aquilo pela primeira vez, pensei: “Que porra é essa???”. Tratava-se de algo inovador, os versos da canção que diziam “Eu queria ser o banquinho da bicicleta pra ficar bem no meio das pernas…” era tão novo que me fazia lembrar que ser o caderninho da menina já estava muito ultrapassado. Aquilo sim era Rock, ou melhor, aquilo eu queria ouvir.

Recheado de palavrões, chegou de dois pés e colocou os caras no cenário nacional que era muito difícil na época, já que não tinha ninguém dançando de shortinho coreografias pré-ensaiadas.

O disco mostrou de cara que a banda tinha muito a dizer, o que se tornaria fato no decorrer da década, “Puteiro em João Pessoa” abre o disco contando logo história de uma transa adolescente (virou quadrinho nas mãos do Angeli), vai para “Palhas do Coqueiro”,”MM`S”, que tem a participação do João Gordo, “Nega Jurema” que vem descendo a ladeira trazendo uma sacola de Maria “Tonteira”, enfim, um discaço.

Antes de tudo, é importante falar que o disco remodelou o cenário musical e influenciou praticamente todas as bandas que se formaram depois na década de 90. Considero “Raimundos “como obra fundamental porque a molecada mandou à merda todos os conceitos reinantes na época, com suas guitarras barulhentas pra caralho (será que posso usar esse termo no site do Elton?), letras sujas e bateria passado por cima de tudo com muito orgulho. Foda-se a surdez (opa de novo).

“Puteiro em João Pessoa, MM`S, Be-a-bá”, “Marujo”, “Selim”, realmente entraram no gosto da garotada que estava na rua nos anos 90.“Raimundos” nos mostrou também, que não era mais legal parecermos ingleses como nos anos 80, que legal mesmo era chamar o Zenilton pra tocar….“Por isso que o Raimundos nunca vai se acabar”.

* Marcelo Guido, é Punk, Pai da Lanna e Bento, Jornalista, Professor e Marido da Bia.

Hoje Eric Clapton completa 74 anos. Três vivas para o velho bluesman!

LONDON, ENGLAND - MAY 14: Eric Clapton performs at Royal Albert Hall on May 14, 2015 in London, United Kingdom (Photo by Neil Lupin/Redferns via Getty Images)
O velho Bluesman

Apesar de ter furado o olho de George Harrison, Eric Clapton é um dos heróis da música mundial. Aliás, a música Layla (escrita para a ex do Beatle citado e então melhor amigo de Clapton, por quem Eric apaixonou perdidamente) quase o transformou o Eric Clapton no vilão do rock’n’roll.

O lendário guitarrista chega aos 74 anos hoje. Ronaldo Rodrigues já explicou: Claptomaníaco é quem rouba disco do velho guitar hero, mas também podemos chamar assim os fãs deste genial músico.

Clapton é um dos sobreviventes de uma longa vida repleta de sexo, drogas e rock and roll. Dono de uma música fantástica, tanto no Blues, quanto no Rock ou com ambos misturados. Ele é considerado o segundo melhor guitarrista da história, atrás de nada mais, nada menos, que Jimmi Hendrix.

Clapton sempre foi gênio, desde os tempos das bandas Yardbirds e do Cream.

Meu amigo Régis Sanches escreveu em um texto : “Eric Clapton, chamado de Deus em pichações nas paredes do metrô de Londres, no final da década de 1960, disse “Ninguém consegue tocar blues honestamente de barriga cheia”. Mister Clapton é a alma dos guitarristas, uma espécie de Fênix que sobreviveu a todas as tragédias. Como mestre de George Harrison, roubou a mulher do melhor amigo. Transtornado, mergulhou e emergiu do mundo negro das drogas. Certa ocasião, seu filho caiu da janela do apartamento. Seu coração ficou dilacerado. Mas a resposta veio na forma da sublime “Tears in Heaven”.

Esse é Clapton, um cara que transforma amor ou dor em arte. A sublime arte da música. Seus riffs já entraram para a galeria dos Deuses e ecoaram pela eternidade. Vida longa a Eric Clapton!

Elton Tavares

Discos que formaram meu caráter- Legião Urbana- Dois (1986)

 

 
Muito bem amigos, estamos aqui mais uma vez para falar de discos, musicas e afins. A diferença é que agora temos um Papa argentino para torrar nossa paciência, ainda bem que o argentino é ele, não eu.
 
O disco em questão trata-se do segundo (obvio) trabalho da Legião Urbana e leva o simplório nome de “Dois”, gravado no ano de 1986. Foi o álbum que mais vendeu copias e o que trouxe o verdadeiro “respeito” a trupe da capital federal.
 
O sucesso do disco anterior, o homônimo “Legião Urbana”, de 1985 (grande disco falaremos ainda dele), não deu a confiança necessária para a gravadora dos caras apostarem em um dos desejos de Renato Russo. O líder da banda acreditava que o segundo projeto legionário deveria ser um trabalho mais singular, mais trabalhado um disco duplo. Chegou ate cogitar nome que seria algo como “Mitologia e Intuição”, mas como já disse os patrões não gostaram da ideia do cara e resolveram lançar em formato simples mesmo e assim em julho de 1986 as lojas recebem “Dois”. 
 
Convenhamos que é um nome muito simples para estar na capa de um dos melhores discos da geração perdida, que naqueles tempos respiravam um ar de liberdade que não se via já há algum tempo dentro de nosso país.
 
Diferente do caminho que as bandas estavam seguindo naquela época, o Titãs quebravam tudo com “Cabeça Dinossauro”, a Plebe Rude entrava em estúdio para dizer “Nunca fomos tão Brasileiros”, Capital Inicial reciclava o restante do “Aborto elétrico” no seu primeiro “Capital Inicial”, os dois Renatos (Russo e Rocha), Bonfá e Dado apostaram em outra pegada, sim a efervescência punk do primeiro disco e deixada de lado. Eles vieram com algo mais folk (os cults vão ao delírio com esse termo), pra resumir “Dois” é algo mais Beatles e menos Sid Vicious.

É um ótimo disco, porque pega o melhor de todos. Russo como compositor começa a mostrar um talento descomunal para escrever as letras, poucos como ele conseguem refletir tanta emoção em versos. A banda estava realmente afiada e passou bem pelo desafio do segundo disco. 
 
Então vamos dissecar o “Artefato”:
 
O disco começa a todo vapor com “Daniel na cova dos leões”, bíblico com certeza, mas longe disso, nos fala que “…Insegurança não  me ataca quando erro”. Vai para  “Quase sem querer”, baladinha com ar de festinha, que fala das angustias, dúvidas  da juventude “…provar pra todo mundo, que eu não precisava provar nada pra ninguém”. 

“Acrilic on Canvas”, linda, a forma dos versos nos permitem recitar a canção em forma de poema, dispensando a melodia. Já “Eduardo e Mônica”, linguagem simples, história de amor, mas lembrando que “…ela era de leão e ele tinha dezesseis”.  “Central do Brasil”, instrumental, pausa. “Tempo Perdido”, uma das musicas, acredito eu, mais exploradas no radio de todos os tempos, o clipe mostra a banda perto de ícones como Lennon, Hendrix etc…Ainda muito jovens.
 
Em “Metrópole”, uma das mais pesadas do disco, fala de violência assistia em nossa sociedade e como isso fica comum. Chegamos em “Plantas debaixo do aquário”, pesadíssima também, clama por paz “…não deixem a guerra começar”. “Musica Urbana 2”, resgate do repertorio do “Aborto Elétrico”, “Andrea Dória”, canção de amor, algo triste acredito que muitos já tomaram um famoso “pé” (os fodas vão entender). 
“Fabrica”, foi usada por muitos anos como abertura dos shows dos caras, prova maior de força não existe. E “Índios”, uma das músicas mais reflexivas já compostas.
 
A revista “Rolling Stones” coloca o álbum entre os 100 mais importantes da música brasileira de todos os tempos, a evolução musical da banda é algo gritante, dos três acordes do primeiro trabalho para “Dois” ocorreu em apenas um ano. Resultado, não outro que não seja “Clássico”.
 
Não posso deixar de dizer que “Dois” é um disco pop, mas sem negar que é inteligente. 33 anos depois, continua atraente e, detalhe, é o disco da Legião que teve a maioria de músicas boas que não tocaram no rádio.
 
URBANA LEGIO OMNIA VINCIT!
 
Marcelo Guido é Punk, Pai, Marido, Jornalista e Professor. “Ainda não sabemos quem guarda os portões da fábrica….”
   

Há dois anos, Lollapalooza 2017: uma lindona experiência de vida

Foto: Elton Tavares

Há dois anos, estávamos  no Festival Lollapalooza 2017. Eu, meu irmão Emerson e nossos queridos amigos Anderson. O evento, muito porreta, aconteceu nos dias 25 e 26 de março, no Autódromo de Interlagos, em São Paulo (SP). Por lá curtimos sons legais, provamos fortes e saborosos venenos (como vodcas islandesas) e assistimos bandas que amamos como The XX, Metallica, Duran Duran e The Strokes. Isso sem falar nas excelentes apresentações de Rancid, Jimmy Eat World e Criolo.

No primeiro dia do Festival, teve o The XX, grupo britânico com som “intimista”. A apresentação dos ingleses foi perfeita. O show teve uma carga de energia positiva, num clima friozinho do início da noite. Muita gente foi às lágrimas. Realmente foi um lance muito legal de ter assistido, sentido e vivido.

“Rodas punks” e falta de ângulo impediram a aproximação para boas fotos do Metallica, mas foi um showzaço

Nono show de uma das maiores bandas do mundo no Brasil e a primeira de metal em seis anos de Festival Lollapalooza, o Metallica chegou de voadora e fechou a primeira noite como um furacão: arrebentando! Não pude fazer fotos legais, mas o grupo fez um show tão porrada que tá valendo!

E o Duran Duran? Porra, com roupas coloridas e dancinhas oitentistas, a banda inglesa nos fez viajar no tempo. Com setlist recheado de clássicos, os britânicos fizeram a alegria de quem foi vê-los no Palco Onix, na tarde do segundo dia do Lolla. A memória afetiva aflorou com as canções “Hungry Like the Wolf” e “Ordinary World”.

Haja nostalgia!

Para muitos, The Strokes não fez o show que esperavam. Para mim foi um showzaço. Os americanos fecharam a segunda noite debaixo de chuva, que não diminuiu a empolgação do público. Com um setlist repleto de clássicos, o que não falta na carreira dos caras, o grupo botou pra quebrar.

Engataram logo as canções “Someday”, “12:51”, “Reptilla” e “Is This it” . A presentação também contou com as músicas “New York City Cops” e a icônica “Last Night”. Enfim, foi muito paid’égua!

Fiz algumas fotos legais, cantei com meu sofrível inglês (a gente enrola) e nos emocionamos em vários momentos desse incrível evento.

Ah, li alguns comentários debochados e invejosos sobre o Lolla nas redes. Só digo uma coisa: se você tinha condições de ir e não foi, perdeu de otário(a), pois foi muito legal.

Resumo da ópera (rock), o sexto Lollapalooza no Brasil, evento que tive a felicidade de ir em quatro edições (antes desse, estive lá em 2014, 2015 e 2018) foi mais uma emocionante e lindona experiência de vida, pois é isso que faz tudo valer a pena. Valeu pra caralho!

Elton Tavares

*Mais algumas fotos minhas do Lolla aqui: 

Há dez anos, vi o Radiohead em São Paulo e foi muito firme!

 

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Foto: Elton Tavares

Existem experiências na vida que não esquecemos jamais. Em 22 de março de 2009, há exatamente dez anos, assisti ao show da banda inglesa Radiohead, em São Paulo (SP).

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Naquele dia, após comer uma picanha argentina no Mercado Municipal de Sampa, nos dirigimos para a Chácara do Jóquei, local do Festival “Just a Fest”, que contou com as bandas Los Hermanos (parte escrota daquele 22 de março), Kraft Werk, lendária banda alemã que detonou nos recursos visuais e eletrônicos, justamente como esperávamos. e, é claro, a Radiohead.

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Não sei como descrever o show do Radiohead, o ápice da viagem, o termo incrível é pequeno para a magnitude do espetáculo que eles proporcionaram, valeu cada centavo, as 6h de avião, a distância do local do evento (quase não conseguimos sair de lá, uma procissão a zero por hora, risos).

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Essa é uma das excelentes lembranças destes mais de 30 anos escutando e vivendo o Rock and Roll. Foi o primeiro grande show de uma banda gringa que assisti. De lá pra cá, rolou rock na história da minha vida. Graças a Deus!

Setlist do Show do Radiohead:

01. 15 Step
02. There There
03. The National Anthem
04. All I Need
05. Pyramid Song
06. Karma Police
07. Nude
08. Weird Fishes/Arpeggi
09. The Gloaming
10. Talk Show Host
11. Optimistic
12. Faust Arp
13. Jigsaw Falling Into Place
14. Idioteque
15. Climbing Up The Walls
16. Exit Music (For A Film)
17. Bodysnatchers
18. Videotape
19. Paranoid Android
20. Fake Plastic Trees
21. Lucky
22. Reckoner
23. House of Cards
24. You and Whose Army
25. Everything In Its Right Place
26. Creep

Eton Tavares

Viver o Rock!

Guitar Hero – Texto sensacional de Régis Sanches

Régis, o “Beck” ou “Anjo Galahell”, um dos melhores guitarristas que vi tocar – Fotos: Elton Tavares

Por Por Régis Sanches

Hoje me preparei para escrever sobre a vida errante dos guitarristas. Pensei nos menestréis, com seus alaúdes, levando alguma alegria para o festim dos lúgubres burgos ao redor dos castelos medievais. E não poderia deixar de reverenciar a memória de Django Reinhardt, o cigano belga que criou o naipe de duas guitarras, tendo seu irmão Joseph empunhando a base e ele próprio no solo. Reinhardt vestia-se a caráter. Em plena segunda guerra mundial, enquanto os foguetes alemães V-1 e V-2 explodiam nos céus de Paris, sua banda animava os sobreviventes do conflito no Clube de France.

Certa noite, a cidade-luz às escuras, Django retornou para casa, exaurido, após mais um show. Ele deitou-se em sua cama, os fumos do sono o absorveram por completo. Sua mulher havia esquecido uma vela acesa, a tênue chama tremulou e alcançou os lençóis. O guitarrista cigano sobreviveu, mas teve sua mão direita lesionada pelo fogo. Nas raras imagens desse precursor das modernas bandas de rock, podemos vê-lo com as cicatrizes do incêndio. Ele nunca desistiu de retirar das seis cordas o lamento necessário para cicatrizar as feridas da vida.

No início desta manhã, eu estava eletrizado pelo som metálico da minha guitarra. Lembrei de uma frase de Eric Clapton, chamado de Deus em pichações nas paredes do metrô de Londres, no final da década de 1960. “Ninguém consegue tocar blues honestamente de barriga cheia”. Mister Clapton é a alma dos guitarristas, uma espécie de Fênix que sobreviveu a todas as tragédias. Como mestre de George Harrison, roubou a mulher do melhor amigo. Transtornado, mergulhou e emergiu do mundo negro das drogas. Certa ocasião, seu filho caiu da janela do apartamento. Seu coração ficou dilacerado. Mas a resposta veio na forma da sublime “Tears in Heaven”.

O melhor de Eric Clapton pode ser sorvido, ouvindo-o executar a belíssima “White room”, de Robert Johnson. A poesia que descreve a solidão – “um lugar onde o sol nunca brilha/onde as sombras fogem de si mesmas” – só encontra dueto à altura no lirismo poético dos riffs arrancados pela slowhand do velho bluesman.

Poderia citar uma legião de guitarristas: Chuck Berry, B. B. King, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck… Seria em vão. Os verdadeiros guitarristas, nós podemos contá-los nos dedos de apenas uma das mãos. Os homens de verdade sabem que há duas coisas no mundo que não se vende, nem se empresta: a mulher e o carro. Incluo no rol a minha guitarra. Pois aqueles que tiveram a sorte de nascer com a alma de guitarrista hão de concordar. Na essência de todo guitarrista, além da sensibilidade, da disciplina e de uma dose exagerada de humildade, existe uma tragédia iminente rondando o destino desses modernos menestréis. Vida longa a Eric Clapton! 

Meu comentário: Régis Sanches é o jornalista com um dos melhores textos que conheci na vida e um dos maiores guitarristas que vi tocar (Elton). 

Há seis anos, rolou o melancólico adeus de Chorão

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Chorão, vocalista da banda Charlie Brown Jr, foi encontrado morto na madrugada do dia 6 de março de 2013, no apartamento onde morava em Pinheiros, na Zona Oeste de São Paulo. Há exatos seis anos. O músico, batizado com o nome Alexandre Magno Abrão, completaria 43 anos em abril daquele ano.

Em 1997, quando escutei o CD “Transpiração Contínua Prolongada” e os caras do Charlie Brown jr. invadiram a cidade, nós nos achávamos peritos em anatomia e acreditávamos que manjávamos um pouco de inglês. E o couro comeu naqueles tempos. Aliás, bons tempos!

Este primeiro disco de Chorão, junto com Champignon (Luiz Carlos Leão Duarte Junior, baixista da banda que se suicidou em 9 de setembro de 2013), Thiago Castanho, Marcão e Bruno Graveto foi uma obra prima. Os caras misturaram cultura urbana, skate punk, ska, rap metal, rock alternativo e reggae. Gostei de poucas canções depois deste álbum, como “Vícios e Virtudes” e “Só Por Uma Noite”.

Confesso que meu lado brutamontes vibrou quando Chorão deu um murro na cara do Marcelo Camelo, o poeta barbudo da dor de cotovelo, dos Los Hermanos.

Chorão foi um poeta urbano, não era nada politicamente correto, mas era talentoso. Além de rockstar, era esportista e levantava a bandeira da prática de skate no Brasil.

Assim como ele, “às vezes faço o que quero e às vezes faço o que tenho que fazer”. É uma pena que o artista tenha partido daquela forma melancólica (“parecia inofensiva, mas te dominou”). Mas quem sou eu para julgá-lo?

Não fui um grande fã do roqueiro que partiu em 2013, teve vezes que o achei um babaca, confesso. Mas tenho respeito pela atitude e talento que ele tinha. Não sei se Chorão encontrou “Aquela Paz”, mas entrou pra história do Rock nacional.

Elton Tavares