Se vivo, Raul Seixas faria 10.075 anos hoje! – Por Silvio Neto

Por Silvio Neto

Decifre as entrelinhas dos hieróglifos das pirâmides do Egito, do calendário Maia, das Itacoatiaras de Ingá. Leia os símbolos sagrados de Umbanda, as centúrias de Nostradamus e o Tarot de Crowley… Não importa qual seja o mistério, todos serão unânimes em lhe revelar: Existe um cometa errante; uma estrela bailarina que vaga no abismo do espaço sem fim flamejando um rock e um grito! Em sua jornada, ele só passa pelo nosso planeta a cada dez mil anos. É quando ele renasce e encarna como um Moleque Maravilhoso, trazendo ao mundo à sua volta mudanças profundas no seu pensar e no seu comportamento.

Sua derradeira passagem por aqui durou apenas 44 anos. Mas foi suficiente para que um país inteiro de dimensões continentais se tornasse menos careta. Há exatos 75 anos, quando ele chegou por aqui em mais uma de suas passagens, esse intrépido cometa trouxe em seu rastro a bomba atômica, em 1945, fechando um ciclo da Terra conhecido como velho Aeon e trazendo à luz o Novo Aeon materializado em forma de música.

Era o dia 28 de junho. Aquele, foi o dia em que a Terra parou. Mas antes disso, ele usou de seus artifícios alquímicos e conseguiu juntar as águas do rio São Francisco e do rio Mississipi, criando a fusão perfeita do rock’n’roll de Elvis Presley com o baião de Luiz Gonzaga e como um novo Macunaíma desvairado gritou em cima do palco do III Festival Internacional da Canção (1971) “Let me sing, let me sing (my rock’n’roll)”!

Seu nome é o contrário do luaR pois ele é um cometa iluminado. Em sua metamorfose ambulante pela Terra, se fez de maluco para revelar sua genialidade; brincou de cowboy para mostrar que preferia ser um fora-da-lei; acumulou riquezas e glórias por um tempo para mostrar que o ouro é para o tolo.

Esse ano, em agosto, já terão se passado 31 anos de sua última visita aqui no nosso planeta. Ainda assim, seu rastro é tão presente, tão vivo, que é como se ele ainda estivesse por aqui, cruzando o nosso céu.

E assim como as estrelas que vemos são muitas vezes apenas o reflexo de milhões de anos-luz de corpos celestes que ainda nos impressionam a visão, o cometa Raul Seixas, brilhará na mente e no coração de milhares de fãs por muitos e muitos anos até, quem sabe, sua próxima passagem há dez mil anos…

Meu comentário: grande Raulzito. Um artista sensacional que inspirou e inspira muitos de nós, fãs. Tanto pelo fascínio da linha tênue entre a feliz loucura da autenticidade, quanto pela sinceridade à bruta, sempre poetizada em um rock and roll dos bons. Viva Raul! (Elton Tavares).

Como hoje é sexta, sempre lembro do velho Liverpool Rock Bar

Hoje é sexta-feira e toda sexta lembro do velho Liverpool Rock Bar, que foi um dos celeiros do rock amapaense. Fundado no final 2004, pelo seu Nelson e sua filha Vânia, o bar, mesmo sem estrutura, fez sucesso entre os amapaenses que gostam de rock and roll.

O Liver foi, até o final de 2009, o refúgio do underground amapaense. Um bar simples, entretanto, frequentado pelas pessoas mais descoladas da cidade. Na categoria “rocker”, foi o bar de rock mais duradouro da história de Macapá.

O Liverpool tinha mesas de bilhar adoradas por 90% dos frequentadores, bandas legais e tínhamos a certeza que íamos encontrar os amigos por lá.

No Liver iam músicos, skatistas, jornalistas, boêmios, malucos, caretas, homossexuais e heterossexuais. Era um local democrático, muito longe de uma “vibe” ou “point”. Alguns, mais exigentes, apelidaram o local de “Liverpalha”, mas viviam por lá.

Hoje temos locais melhores para curtir som, muito mais estruturados, refrigerados e tals, mas todos nós lembraremos do charme sujo que o Liver possuía. A gente quebrava tudo por lá (às vezes, literalmente). Saudades daquela bodega! (aliás, nestes tempos de pandemia, saudades de qualquer bar).

“O Rock é energia, o desejo ardente, as exultações inexplicáveis, um senso ocasional de invencibilidade, a esperança que queima como ácido” – Nick Horby – Romancista inglês.

Elton Tavares

Mário Mareco gira a roda da vida. Feliz aniversário, mano velho!

Quem lê este site, sabe: gosto de parabenizar amigos em seus natalícios, pois declarações públicas de amor, amizade e carinho são importantes pra mim. Quem gira a roda da vida nesta quarta-feira (4) é o brother das antigas deste editor e cara porreta demais, Mário Araújo Jr. O popular “Mareco”.

O cara é amoroso e dedicado marido da Adriana, pai do Lucas, Valentim e da Mariana, que chegará esse mês, além de ortodontista competente.

Trata-se de uma figura muito gente boa e consideradão da galera rocker de Macapá. Não lembro o momento exato em que conheci o Mareco, mas faz tempo. Violonista e guitarrista dos bons, Mareco já tocou em porrada de bandas de Macapá e em incontáveis festinhas porretas da galera do “roquenrou” nesta cidade no meio do mundo.

Mareco é um cara calmo, bem humorado, gente fina mesmo. Eu e Mário nunca fomos de andar juntos, mas tenho muito “consideramento” por ele e sei que é recíproco. Por conta disso, deixo aqui o registro e homenagem ao aniversariante, que chega aos 38 anos, mas parece mais jovem que isso.

Mário, mano velho, “tu saaaabes, Patinhas”. Apesar destes tempos tristes de pandemia, estou feliz pela tua vida que se renova hoje. Que a força sempre esteja contigo. Que sigas na jornada sempre com saúde e sucesso junto dos teus amores.

Parabéns pelo teu dia e feliz aniversário!

Elton Tavares

Robert Smith completa 61 anos e 40 de Rock and Roll! – Happy 61th birthday to #RobertSmith of #TheCure

Hoje é aniversário de Robert James Smith, o popular Robert Smith. Ele é líder, vocalista, guitarrista e compositor da lendária banda inglesa The Cure. Aliás, o único membro da formação original do grupo. O cara é um ícone do Rock e da música alternativa mundial.

Robert nasceu em 21 de abril de 1959, em Blackpool (ING). Portanto, completa 60 anos de vida, sendo que trinta e nove deles à frente de sua influente banda oitentista, que por muito tempo foi considerada a maior e mais importante no cenário gótico/pós-punk.

O The Cure é uma das bandas que fazem parte da trilha sonora da minha vida. Ao som dos britânicos, fizemos muitas festas, noitadas, reuniões com amigos e tantas outras lembranças legais.

Show do The Cure em São Paulo – Foto: Elton Tavares – Clique e veja a imagem em tamanho original.

Eu e meu irmão assistimos, em 2013, um show histórico do The Cure, em São Paulo. Se já não bastasse tamanha felicidade, ainda encontrei a banda no Aeroporto de Guarulhos e consegui uma foto com o Rockstar. Essa, meus queridos leitores, sempre foi uma lembrança muito feliz. Mais ainda agora, em tempos de isolamento e que precisamos ter fé e esperança na “Cura”.

Vida longa ao talentoso e carismático Robert Smith. Que ele toque, componha e cante por mais 61 anos.

Elton Tavares

Boletim oficial: Amapá tem 375 casos confirmados de coronavírus; em Macapá são 330 casos – 17/04 #FicaEmCasa

O Centro de Operações de Emergência em Saúde Pública (COESP) traz novo relatório com dados sobre o Covid-19 no Estado, com 05 novos casos confirmados, sendo 04 em Macapá e 01 em Oiapoque. Agora são 375 casos no Amapá.

Painel geral de casos pelo COVID-19:

Confirmados: 375
Recuperados: 166
Óbitos: 10
Hospitalizados: 36 total
Sistema público: 16 (07 em leito de UTI / 09 em leito clínico)
Sistema privado: 20 (03 em leito de UTI / 17 em leito clínico)
Isolamento domiciliar: 163

Em análise laboratorial: 565

Suspeitos declarados pelos municípios:

Macapá: 330
Santana: 226
Amapá: 3
Calçoene: 9
Laranjal do Jari: 24
Mazagão: 14
Oiapoque: 9
Pedra Branca do Amapari: 3
Porto Grande: 13
Serra do Navio: 2
Vitória do Jari: 5
Tartarugalzinho: 2

Total: 640

Assessoria de comunicação do GEA

19 anos sem Joey Ramone

Há exatos 19 anos, morreu Jeffrey Ross Hyman, o Joey Ramone. Ele tinha 49 anos de idade, vítima de um linfoma (câncer), em um hospital de Nova York (EUA). Em 1974, ele fundou, junto com Johnny Ramone, a lendária banda punck rock Ramones. Aliás, Joey e Johnny foram os únicos membros que ficaram do início ao final da banda (1996).

Nascido em em Nova York, no dia 19 de maio de 1952, Joey fundou os Ramones em 1974 com Johnny, Dee Dee e Tommy. Ele era baterista e passou aos vocais dois meses depois do primeiro show da banda, no mesmo ano, New York’s Performance Studio. Os membros da banda adotaram o sobrenome “Ramone” ao descobrir que Paul McCartney usava o nome Paul Ramone quando queria hospedar-se em hotéis sem ser reconhecido.

Os Ramones botaram pra quebrar, fizeram sucesso e dominaram o mundo. Os caras influenciaram bandas que vão desde Sex Pistols e Clash até Green Day, entre tantas outras. Os Raimundos, um dos melhores grupos do rock brasileiro iniciou a carreira como banda cover dos Ramones.

Todos os integrantes originais da banda, Joey, Johnny, Tommy e Dee Dee faleceram ao longo das últimas duas décadas. Johnny Ramone em 2004 também, por decorrência do câncer, o baixista Douglas Colvin (Dee Dee Ramone), morto por uma overdose em 2002, e Tommy Ramone, ex-baterista e produtor do Ramones, morto em julho de 2014, de câncer no ducto biliar.

Alto demais (quase dois metros), magro demais, desengonçado demais e gênio demais. Esse era Joey Ramone. O rei do CBGB’s, lendária casa de shows novaiorquina, berço do punk na metrópole e líder da saudosa banda que embalou, embala e sempre embalará boas festas de Rock and Roll da minha vida.

O rock é minha expressão artística favorita e os Ramones foram uma das mais influentes bandas de todos os tempos. Eles foram aclamados pelo público e pela crítica. Os caras saíram de cena, mas não da memória e nem do coração de quem curte rock.

Li numa reportagem que Joey foi homenageado com um trecho de rua batizado em seu nome. A placa “Joey Ramone Place” tem o privilégio de ser o sinal público mais roubado da história da cidade de Nova York. Tanto que a prefeitura, cansada de substituí-la, mandou colocá-la a quatro metros do chão”.

Eu, como muitos amigos, sou fã de Ramones. Joey foi, juntamente com seus colegas de banda, caralisticamente foda e este texto é uma singela homenagem a ele. A vida segue, às vezes ao som de punk rock, pois os Ramones, meus amigos, é uma daquelas bandas eternas. Valeu, Joey. Hey, ho, let’s go!

Elton Tavares

Há sete anos, o The Cure se apresentou em São Paulo. Foi o melhor show que assisti na vida

Até hoje, não consigo descrever com presteza o que senti na noite de 6 de abril de 2013. Há exatamente sete anos, a banda inglesa The Cure se apresentou na Arena Anhembi, na capital paulista. Foram 3h15 de show. E que show! Com certeza o melhor que vi na vida. Coisa de fã de Rock.

Algumas semanas antes do show, Roberth Smith (“a cara, a voz e a força do The Cure”), cconcedeu uma entrevista ao programa “Fantástico” (vídeo). Ele disse que como não eram mais jovens (ele tinha 53 anos em 2013) não faria vários shows, mas poucos com muita intensidade.

Com meu irmão, Emerson, na área vip, esperando o começo do show.

O astro prometeu e cumpriu.Algumas semanas antes do show, Roberth Smith (“a cara, a voz e a força do The Cure”) concedeu uma entrevista ao programa “Fantástico” (vídeo). Ele disse que como não eram mais jovens (ele tinha 53 anos em 2013) não fariam vários shows, mas poucos com muita intensidade. O astro prometeu e cumpriu.

Sabe, eu sempre fui fã de Rock And Roll. Já vi muitos shows sensacionais e fui pra muitas festas doideiras, mas naquele dia, ao lado do meu irmão e companheiro de aventuras Emerson Tavares, vivemos o auge dessa vida rocker. O show do The Cure conseguiu superar as apresentações do Radiohead em 2009, U2 em 2011, New Order e Johnny Marr (2014), Interpol, Smashing Pumpkins, Morrissey e Pearl Jam (2015) e Lollapalooza 2017 (Duran Duran, Strokes e Metallica).

O que as 30 mil pessoas que estavam na Arena Anhembi naquela noite viram foi impressionante, fantástico e todos os sinônimos para o show da vida de muitos (como eu e meu irmão). O The Cure emocionou e empolgou. Foram 40 músicas. Todas cantadas pelo público. E eu e Emerson ficamos na Budzone, área vip, ou seja, perto do palco e confortável. Firme demais!

Robert Smith (voz e guitarra), Jason Cooper (bateria), Roger ´O Donnell (teclados), Simon Gallup (baixo) e Reeves Gabrels (guitarra), fizeram um show caralhento, cheio de hits e canções despintadas. Agradeço a Deus todos os dias por ter vivido aquilo.

“Não foi um show… foi uma apoteose! Infinitamente melhor que as duas apresentações que assisti em 1996. Como vinho, cada vez melhores com o tempo” – Disse o amigo Nilson Montoril.

Os amigos que viram o show no Rio de Janeiro, dois dias antes, disseram que o de Sampa foi muito mais paid’égua. Uma das canções clássicas da banda diz que “Garotos não choram”.

Naquela noite, era menina e barbado chorando, rindo, dançando, cantando, pulando etc. Bestificados com aquele showzaço do caralho, eu e Emerson choramos. De felicidade e emoção, claro. Inesquecível!

Obs: Se já não bastasse tamanha felicidade, no dia seguinte ao show, encontrei a banda no Aeroporto de Guarulhos (SP). Robert foi muito simpático e ganhei uma foto pra posteridade. Até a próxima, The Cure!

Elton Tavares

Veja as músicas que o The Cure tocou em São Paulo:

“Open”
“High”
“The End of the World”
“Lovesong”
“Push”
“Inbetween Days”
“Just Like Heaven”
“From the Edge of the Deep Green Sea”
“Pictures of You”
“Lullaby”
“Fascination Street”
“Sleep When I’m Dead”
“Play For Today”
“A Forest”
“Bananafishbones”
“Shake Dog Shake”
“Charlotte Sometimes”
“The Walk”
“Mint Car”
“Friday I’m in Love”
“Doing the Unstuck”
“Trust”
“Want”
“The Hungry Ghost”
“Wrong Number”
“One Hundred Years”
“End”

bis

“The Kiss”
“If Only Tonight We Could Sleep”
“Fight”

“Dressing Up”
“The Lovecats”
“The Caterpillar”
“Close To Me”
“Hot Hot Hot!!!”
“Let’s Go to Bed”
“Why Can’t I Be You?”
“Boys Don’t Cry”
“10:15 [Saturday Night]”
“Killing An Arab”

*Essa, meus queridos leitores, sempre foi uma lembrança muito feliz. Mais ainda agora, em tempos de isolamento e que precisamos ter fé e esperança na “Cura”.

Há cinco anos Interpol e Smashing Pumpkins arrebentaram no Lollapalooza Brasil 2015

Anderson, Adê, Emerson, Andresa e eu a caminho do festival. Um dia feliz e memorável!

Há exatamente cinco anos, as bandas Interpol e Smashing Pumpkins arrebentaram no Lollapalooza Brasil 2015. Assim como outras quatro vezes, fui à Sampa para assistir shows de Rock and Roll no Festival Lollapalooza Brasil.

Na verdade, o festival do ano passado contou com atrações mais dançantes do que pesadas, mas atingi meu objetivo: ver as apresentações das bandas Interpol e Smashing Pumpkins. Ambas com performances perfeitas.

Era um domingo frio e cinzento quando o Interpol subiu ao palco Skol. O grupo tocou de 15h30 às 17h debaixo da garoa dos paulistas, o nosso “chuvisco”. Logo a banda nova-iorquina aqueceu coração e alma dos fãs que estavam no autódromo de Interlagos.

Eu não sabia se pulava, fotografava ou cantava (com meu pobre inglês) as canções da banda indie. A força do Rock and Roll fez aqueles caras levantarem a multidão. Foi lindo!

O Smashing Pumpkins fechou o festival no palco Onix do Lollapalooza Brasil 2015. Billy Corgan, compositor, líder, único membro da formação original do grupo e dono da bola mandou muito bem. Ele veio acompanhado do guitarrista Jeff Schroeder (na banda desde 2007), pelo baixista Mark Stoermer (The Killers) e pelo baterista Brad Wilk (Rage Against the Machine).

Eu aguardava um show do Smashing Pumpkins desde os anos 90. Eles levaram sons como “Tonight, Tonight”, “Ava Adore, Bullet With Butterfly Wings”, “Disarm”, “Cherub Rock”, Today, 1979, e a nova “Being Beige”.

O público ficou hipnotizado com a apresentação e muita gente – como eu – foi às lágrimas. Como não chorar? O careca antipático do rock cantou com o coração e a banda tocou de forma perfeita.

Essa foi mais uma aventura rocker sensacional e emocionante. Lá se vão cinco anos; mas parece que foi ontem. Entrou para a história Rock and Roll da minha vida. É isso!

Elton Tavares

Discos que Formaram meu Caráter (Parte 49) – “Adiós Amigos” – Ramones (1995) – Por Marcelo Guido

Por Marcelo Guido

Salve moçada!

Todos trancados em seus lares escolhendo quem matar para a economia não parar… O viajante dos sons está de volta para mais uma rodada de discos, músicas e afins.

Com a nave a toda velocidade, som na altura máxima, com orgulho apresento a vocês:

“Adiós Amigos”, o 14º álbum dos Ramones. Todos de pé!

Estamos agora em 1995, e os caras dos Ramones encaravam a velhice. Estava ou não na hora de se aposentar? A relevância da banda nunca esteve em xeque, mas os tempos eram outros.

Passando incólumes pelos tempos da discoteca, pelos anos 80, a “new wave”, o pós-punk, o grunge e outros caralhos, Joey e Jonhy já pareciam cansados da vida que escolheram.

Somando isso aos problemas de saúde de Joey (que teve em toda a sua vida adulta um constante entra e sai de hospitais), a idade e o estilo de vida começavam a cobrar um preço; Joey acabara de ser diagnosticado com um severo câncer linfático e, como bom Ramone que era, deixou a doença em segredo.

Com 13 discos de estúdio e discos ao vivo que pareciam transportar os fãs para os shows, reconhecimento formado por uma legião de fãs no mundo inteiro, sempre citados como referência por vários músicos e banda planeta afora, os caras já tinham salvado o Rock and Roll da ameaça do “Progressivo” com seus solos intermináveis e suas reflexões sem sentido de bons músicos que sabiam ler partituras. Os Ramones não deviam nada a ninguém.

A preocupação maior era não se tornar uma paródia de si mesmo e aceitar de uma vez que a estrada dos tijolos amarelos estava chegando no fim.

Os shows que nos tempos áureos chegavam a 150 no ano, tinham sido reduzidos a um terço, o acolhimento da América do Sul para os caras depois de “Mondo Bizarro” deu um gás na banda, os problemas de saúde de Joey já eram bastante latentes, ausências em parte das apresentações, máscara de oxigênio no palco, o Ramone que mais vestiu a camisa da eterna adolescência parecia realmente querer um descanso.

Os Ramones, estavam realmente em dúvidas quanto ao futuro e, talvez, as crises que todos nós temos tenham também chegado nos caras naquela época. As 13 faixas do disco trazem profundas reflexões sobre amor, dor, ódio e futuro, mas tudo muito rápido e intenso como só eles sabiam fazer e, sendo assim, por respeito a seus muitos admiradores, entraram em estúdio em fevereiro de 1995 e em junho do mesmo ano apresentaram este belo exemplar de som, anunciando que seria o derradeiro trabalho.

Vamos ao que interessa e dissecar essa bolacha:

O disco começa com “I Don`t Want To Grow Up”, cover do Tom Waits é desafiadora, uma franca negação do mundo real, incertezas sobre o futuro, dúvidas sobre a própria vida. “Maki Monsters For My Friends” a autocrítica feita, somos os nossos próprios monstros. “Its Not for Me to Know”, a desistência contra o que não pode ser evitado, você fez tudo o que era possível. “The Crusher”, composta por Dee Ramone, já tinha sido gravada no primeiro disco solo dele, ganhou nova roupagem na voz de Joey, mostra que ainda se tem disposição para lutar contra desafios. “Life`s a Gas”, simples, são daquelas canções que marcam pela intensidade, foi o single do disco. “Take the Pain Away”, pessoal, uma caminhada constante pelo alivio, você só quer acabar com a dor. “I Love You”, cover do Johnny Thunders , a simplicidade em falar de amor. “Cretin Family”, todos contra você uma resposta à o clássico “Pinhead”, se antes os Ramones era o lar dos desajustados, tinha agora tornado parte do Mainstrean. “Have Nice Day”, ironia nas saudações diárias, escuta se sempre um bom dia em uma derrota. “Scattergun”, a segurança que você se propõe a ter. “Got a Lot Say”, tudo a dizer, mas não sabe agora. “She Talks To Rainbows”, triste, mas verdadeira, mostra o lado desesperançoso de quem se entretém com tudo e com todos. “Born To Die in Berlin”, uma significativa ode aos entorpecentes.

Rápido, intenso e formidável que puta disco.

O respeito pelos fãs – algo que sempre foi uma marca dos caras – esteve presente neste álbum. Essencial na discografia de quem pretende gostar de Rock and Roll.

Medalha de ouro. Se tu não conheces, na moral, mereces ser deitado na porrada.

Um disco que, apesar de ter sido anunciado como último trabalho, não perdeu a “aura Ramônica” e, longe de ser um caça-níquéis, feito por caras cansados e desgostosos, soa como um verdadeiro “The best of”, de tanto esmero e vontade.

A capa, uma das mais horríveis e esdrúxulas já feitas, eram dois dinossauros com sombreiros, com o título em espanhol.

É sem dúvida alguma, um daqueles discos verdadeiramente pensados, com canções eternas; um daqueles que tu colocas pra tocar do começo ao fim sem medo.

Sim, foi o último e acabaram em grande estilo. O mundo teve que sobreviver sem os Ramones. “Não queremos nos estender além da conta”, declarou Joey Ramone.

E no final, a saída por cima; “Adiós Amigos” mostrou que máxima de Bruce Wayne é verdadeira: “Ou você morre como um herói, ou vive o bastante para se tornar um vilão”. Os Ramones foram simplesmente fodas do começo ao fim.

Este texto é dedicado a Renato Atayde, Luis “Espalha Lixo” Xavier, Fábio “Macumba” Evangelista e Alex “Skoria” Rodrigues que, assim como eu, também tiveram o caráter formado por Ramones.

Ramones Forever.

*Marcelo Guido é jornalista. Pai da Lanna Guido e do Bento Guido. Maridão da Bia.

Se vivo, Renato Russo faria 60 anos hoje. Viva o maior poeta do Rock brasileiro!

Renato Manfredini Júnior não foi só mais um carioca que cresceu em Brasília (DF). Renato Manfredini Júnior nasceu em 27 de março de 1960 no Rio de Janeiro. Ele viveu parte da infância com a família em Nova York e, aos 13 anos, se mudou para Brasília. O cara foi um cantor e compositor sem igual. Liderou a Legião Urbana (composta por ele, Marcelo Bonfá, Dado Villa Lobos e Renato Rocha) e obteve um enorme sucesso de público e crítica. Se estivesse vivo, hoje o maior poeta do Rock brasileiro faria 60 anos.

A Legião foi e sempre será a maior de todas as bandas deste país. Eles venderam 20 milhões de discos durante a carreira, mais de uma década após a morte de Renato Russo, a banda ainda apresenta vendagens expressivas. O som dos caras me remete ao passado, à situações, pessoas, alegrias e perrengues; enfim, foi a trilha sonora da adolescência de minha geração. Renato foi genial, sereno e místico. Um melancólico poeta românico, quase piegas, mas visceral. Era capaz de compor canções doces, musicar a história cinematográfica do tal João do Santo Cristo, cantada na poesia pós-punk de cordel (159 versos e quase 10 minutos) intitulada Faroeste Caboclo ou melhorar Camões (desculpem a blasfêmia lírica), como em Monte Castelo.

Como disse meu sábio amigo Silvio Neto: “Renato Russo foi Poeta pós-punk, de toda uma Geração Coca-Cola. Intelectual, bissexual assumido desde os 18 anos de idade, ele foi uma espécie de Jim Morrison brasileiro, não pela sua beleza física, mas pela consistência de suas letras que poderiam muito bem ter sido publicadas em livro sem a necessidade de ser musicadas”. Cirúrgico!

Em 11 de outubro de 1996, Renato Russo morreu, vitimado pela Aids. E como ele mesmo dizia: “é preciso amar as pessoas como se não houvesse amanhã”, pois o para sempre não dura muito tempo. A Legião Urbana acabou oficialmente no dia 22 de outubro de 1996 e reuniu-se novamente 20 anos depois, em 2016, com outro vocalista e saiu em turnê pelo Brasil. Mas essa é outra história.

A força e universalidade das composições de Renato emocionaram toda uma geração e continuam mexendo com a gente. Acho que será sempre assim. Não sei o que Renato teria feito se tivesse mais tempo, mas com o pouco tempo que teve, fez muito. Fez demais pela música e arte nacional. O artista foi um dos nossos heróis (ainda tem quem não goste ou reconheça, mas paciência). Pena que o futuro não será mais como foi antigamente. Por tudo isso e muito mais, hoje homenageio Russo, que se eternizou pela sua música, poesia e atitude.

Valeu, Renato. Força sempre!

Elton Tavares

Discos que Formaram meu Caráter (Parte 47) – “London Calling” …The Clash (1979) – Por Marcelo Guido

Por Marcelo Guido

Salve moçada do bem!

A nave deu pane, mas estamos de volta.

A batalha contra o tédio constante não pode parar e o viajante das notas e riffs não poderia abandonar vocês por muito tempo. Vagando sem rumo pelo mundo dos discos e espaço avante, trago para vocês mais uma bolacha histórica.

É com muito orgulho que vos apresento: “London Calling” – o terceiro trabalho dos caras do The Clash.

Todos de pé!

Corria o ano de 1979 e as coisas não estavam nada bem no mundo; na Inglaterra, uma recessão escrota pra cacete; a sombra da mesmice parecia não querer sair da cabeça dos caras; a juventude em polvorosa já tinha explodido contra o sistema; o movimento Punk colhia os bons frutos de sua sagaz rebeldia.

No Irã, a crise com os reféns americanos; era petróleo vazando a rodo no golfo do México, o barril do óleo negro nas alturas e a crise enérgica atingia o mundo capitalista como há muito tempo não se tinha notícia.

Dentro desse contexto todo, Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon e Nicky “Topper” Headon, participantes ativos da primeira onda punk britânica, entraram em estúdio em agosto de 79, cheios de inspiração e conceberam tal obra prima.

Já tendo abalado as estruturas na terra da Rainha, com os excepcionais “The Clash” (1977) e “Give ‘Em Enough Rope” (1978), os caras já mostravam serviço. As letras anarquistas – de cunho político – eram a sua marca. Mas, de repente, a ilha já não era suficiente para acolher toda a fúria; estava na hora do passo seguinte, o mundo precisava da verve do Clash.

Com uma proposta única na época de expor o caos mundial, a intenção do disco é claramente mostrar uma transmissão de rádio de um futuro distópico, onde o medo e a insegurança dominam as mentes e corpos dos seres humanos depois de anos de crise. Um futuro onde o protagonismo não é dos vencedores, e sim dos derrotados.

Flertando com diversos ritmos musicais, que vão do reggae e funk ao Rockabilly, os caras acabaram gravando um disco que realmente mudou de vez a história do rock and roll no mundo.

Vamos ao que realmente importa e tentar entender esta maravilhosa bolacha negra:

O disco começa logo a mil com “London Calling”; a faixa título originalmente chamada “Ice Age” é uma mostra do caos que está por vir; cita um acidente nuclear e também zomba daquilo que o movimento punk tinha se tornado: um caça-níqueis. “Brand New Cadillac” cover de uma canção de Vice Taylor, cantor popular na Inglaterra que fez uma longa jornada no deserto por conta de seu vício em álcool e drogas. “Jimmy Jazz”, uma clara menção à barbaridade na aplicação das leis pelos policiais. “Hateful”, uma narração de uma relação ambígua entre o narrador e o negociante. “Rudie Can’t Fail”, a insegurança que o adolescente tem em se tornar um adulto responsável. “Spanish Bombs”, aborda desde a guerra civil espanhola, até os atentados do Ira em solo britânico. “The Rigth Profile”, o caos pessoal dentro de alguém que vê a realidade escondia. “Lost In The Supermarket”, o consumismo incessante que pode te deixar escravo. “Clampdown”, uma crítica feroz ao sistema, que te faz trabalhar e pensar igual a ele, te tornando preconceituoso, sombrio. “The Guns Of Brixton” outra ode à violência do estado contra os menos favorecidos. “Wrong ‘Em Boyo”, desonestidade, trapaça; você acaba desconhecendo os limites em saber o que é errado. “Death or Glory”, morte ou glória, são apenas opções. “Koka Kola” uma ode às drogas “Coca adiciona vida onde não há”, a propaganda mundana. “The Card Cheat”, a carta na manga que todos temos. “Lovers Rocks” um toque de amor dentro da destruição. “Four Horsemen”, tristeza, miséria, desesperança e ódio, as quatro companhias. “I`m Not Dow”, vitórias diárias sobre nossos desafios. “Revolution Rock”, cover do Jamaicano Dany Rey. “Train in Vain”, promessas não cumpridas.

Que puta disco, nada mais nada menos que foda. Singular em sua forma, arrebatador em tudo.

Quem não conhece, nem merece estar vivo.

Com esse fenomenal disco, o The Clash ganhou o mundo. Não é nem preciso dizer que foi o cartão de visita dos caras neste lado do mundo; abriu as portas do mercado americano e vendeu pra caralho.

Considerado o maior sucesso dos caras, sem perder o caráter revolucionário, o Clash, obrigou a gravadora a vender o disco que é duplo, por preço de álbum simples, para que a mensagem chegassem a todos.

A capa, um caso à parte, a imagem icônica de Simonom arrebentando sua fender ao chão do palco, e a tipografia, uma simbólica homenagem ao álbum de estreia de Elvis. Tão histórico, que virou selo postal em 2010.

Há mais de 40 anos de seu lançamento, um disco revolucionário desde a capa, até as letras e a sinfonia. Um verdadeiro monumento à boa música. Está entre os 500 melhores discos já feitos na lista da Rolling Stone, e em 2007 entrou para lista dos 200 álbuns definitivos do Rock and Roll Fame.

Conheci esta linda conjuntura de músicas, nos meus 16 anos, no longínquo ano de 1996. Desde então, ela faz parte de mim. Foi um verdadeiro soco na cabeça, onde pude receber uma alternativa social em minha vida.

Este disco deu voz aos excluídos e posso considerá-lo uma partitura sagrada do Punk Hardcore. No mais, fica sempre uma pergunta no ar:

Será que existe futuro?

Este texto é dedicado a Anderson Clayton.

*Marcelo Guido é Jornalista. Pai da Lanna Guido e do Bento Guido. Maridão da Bia.

Hoje é o Dia do Guitarrista (meu texto sobre a data e homenagem aos Guitar Heroes)

Hoje, 10 de março, é o Dia do Guitarrista, aquele cara ou menina que nos emociona com solos, riffs e acordes do instrumento mais legal do Rock and Roll. Músicos que nos alegram os ouvidos, coração, alma e mente. Não encontrei a origem da data, mas tá valendo!

A guitarra é o instrumento mais popular e influente na história da música e, é claro, do rock´n roll. O conceito diz: “guitarrista é um músico que toca guitarra. Sejam elas acústicas ou elétricas, solo, em orquestras ou com bandas, em uma variedade de gêneros. Mas a gente gosta mesmo é dos roqueiros doidos, né não?

Tenho uma inveja branca de quem toca, compõe ou canta. Quem faz música é foda! É, são pessoas que fazem a trilha sonora da vida, sejam nas madrugadas em bares enfumaçados, teatros, boates ou palcos ao ar livre que precisam ser festejadas.

Eu poderia falar do espetacular John Frusciante, o performático Slash, Angus Young e sua dancinha muito foda, dos lendários Jimmy Page, Carlos Santana, Stanley Jordan, Body Guy,Robert Cray, David Guilmour, Pepeu Gomes, Bruin May, Eric Clapton, B.B. King e suas Lucis, Eddie Van Halen ou Jimi Hendrix, o “Pelé da Guitarra”, ou até de Robert Johnson, que, segundo a lenda, vendeu a alma para o diabo para ser um guitarrista extraordinário, entre tantos outros guitar heroes históricos, mas prefiro homenagear os bateras amigos. Portanto, meus parabéns músicos:

O Régis, o “Beck” ou “Anjo Galahell”, um dos melhores guitarristas que vi tocar; Alexandre Avelar (o Cabelo); Ruan Patrick (stereo); Ronilson Mendes (Manoblues); Cleverson Baía; Wendril Ferreira da Psychocandy (ex Godzilla); Adriano Joacy; Irlan Guido; Ozy Rodrigues; Geison Castro; Wedson Castro; Sandro Malk; Ewerton Dias; Finéias Nelluty; Weverton Nelluty; Alan Gomes; Israelzinho; Zé Miguel; Edivan Santos (Ito); Ricardo Pereira; “Zezinho”, “O Sósia”; Rulan Leão, entre outros. Enfim (acho que esqueci alguns), todos os meus queridos amigos que tocam o sublime instrumento. “Parabéns!

“Ziggy tocava guitarra…”.

Assista ao vídeo 100 Riffs (A Brief History of Rock N’ Roll) :

Elton Tavares

Guitar Hero – Texto sensacional de Régis Sanches

Régis, o “Beck” ou “Anjo Galahell”, um dos melhores guitarristas que vi tocar – Fotos: Elton Tavares

Por Por Régis Sanches

Hoje me preparei para escrever sobre a vida errante dos guitarristas. Pensei nos menestréis, com seus alaúdes, levando alguma alegria para o festim dos lúgubres burgos ao redor dos castelos medievais. E não poderia deixar de reverenciar a memória de Django Reinhardt, o cigano belga que criou o naipe de duas guitarras, tendo seu irmão Joseph empunhando a base e ele próprio no solo. Reinhardt vestia-se a caráter. Em plena segunda guerra mundial, enquanto os foguetes alemães V-1 e V-2 explodiam nos céus de Paris, sua banda animava os sobreviventes do conflito no Clube de France.

Certa noite, a cidade-luz às escuras, Django retornou para casa, exaurido, após mais um show. Ele deitou-se em sua cama, os fumos do sono o absorveram por completo. Sua mulher havia esquecido uma vela acesa, a tênue chama tremulou e alcançou os lençóis. O guitarrista cigano sobreviveu, mas teve sua mão direita lesionada pelo fogo. Nas raras imagens desse precursor das modernas bandas de rock, podemos vê-lo com as cicatrizes do incêndio. Ele nunca desistiu de retirar das seis cordas o lamento necessário para cicatrizar as feridas da vida.

No início desta manhã, eu estava eletrizado pelo som metálico da minha guitarra. Lembrei de uma frase de Eric Clapton, chamado de Deus em pichações nas paredes do metrô de Londres, no final da década de 1960. “Ninguém consegue tocar blues honestamente de barriga cheia”. Mister Clapton é a alma dos guitarristas, uma espécie de Fênix que sobreviveu a todas as tragédias. Como mestre de George Harrison, roubou a mulher do melhor amigo. Transtornado, mergulhou e emergiu do mundo negro das drogas. Certa ocasião, seu filho caiu da janela do apartamento. Seu coração ficou dilacerado. Mas a resposta veio na forma da sublime “Tears in Heaven”.

O melhor de Eric Clapton pode ser sorvido, ouvindo-o executar a belíssima “White room”, de Robert Johnson. A poesia que descreve a solidão – “um lugar onde o sol nunca brilha/onde as sombras fogem de si mesmas” – só encontra dueto à altura no lirismo poético dos riffs arrancados pela slowhand do velho bluesman.

Poderia citar uma legião de guitarristas: Chuck Berry, B. B. King, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Jeff Beck… Seria em vão. Os verdadeiros guitarristas, nós podemos contá-los nos dedos de apenas uma das mãos. Os homens de verdade sabem que há duas coisas no mundo que não se vende, nem se empresta: a mulher e o carro. Incluo no rol a minha guitarra. Pois aqueles que tiveram a sorte de nascer com a alma de guitarrista hão de concordar. Na essência de todo guitarrista, além da sensibilidade, da disciplina e de uma dose exagerada de humildade, existe uma tragédia iminente rondando o destino desses modernos menestréis. Vida longa a Eric Clapton!

Meu comentário: Régis Sanches é o jornalista com um dos melhores textos que conheci na vida e um dos maiores guitarristas que vi tocar (Elton).

Feliz aniversário, Hanna! – @hanna_paulino

Hoje é aniversário da mãe da Lohanna, vocalista das bandas Drusa, Voxx Voyage, Hidrah e Vennecy,  além de broda deste jornalista, Hanna Paulino.

A moça é inteligente, muuuito gente boa, possui alto astral e bom humor invejável, além de bem resolvida. É, a Hanna emana positividade. Ela é uma mulher muito trabalhadora e talentosa. Uma moça jovem, mas muito responsável com seu trabalho e querida por seus amigos.

Com toda certeza, Hanna é a melhor cantora de Rock and Roll do Amapá. A menina é uma verdadeira estrela e tenho o prazer de ser seu amigo, além de fã.

Hanna, queridona, desejo que você siga com todo esse sucesso e que tenhas saúde pra usufruir dele, sempre. Meus parabéns e feliz aniversário!

Elton Tavares

*Texto republicado, mas de coração.